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“Hase” El conejo gigante que se descompone en los alpes italianos

No, no estamos hablando de un conejo normal y corriente que murió y esta pasando por el proceso de descomposición al termino de su vida. Este es un conejo gigante hecho de tela que ha sido dejado varado en los alpes italianos con el motivo de que se descomponga.

Este proyecto es una instalación creada por el grupo viaés llamado Gelitin, su trabajo consiste en instalaciones a larga escala como en este caso Hase que mide 6 metros de largo.

hase2.sized_ Continue reading ““Hase” El conejo gigante que se descompone en los alpes italianos”

#MobileViews – Cinthya Fung y Eva Valenzuela

Ayer publicamos la entrevista con Lorea Iglesias, artista y curadora de #MobileViews; y ahora hablamos con 2 de las artistas que participan en la muestra. Cinthya Fung con Fourteen y Eva Valenzuela con 18:30;27;03. Nos hablaron de su inspiración y de su experiencia al ser parte de #MobileViews

CInthya Fung

Fourteen tiene antecedentes de un proyecto que también realice con mi celular. Ambos proyectos exploran la vida cotidiana e intima, un concepto ideal para esta herramienta que siempre tenemos a la mano. Más que una cámara, los celulares funcionan como laboratorios portátiles perfectos para la experimentación creativa. Es precisamente eso lo que más me motiva/inspira. Que este pequeño pero poderoso aparato te sirva para un montón, por no decir infinitas, posibilidades. Eso se debe mayormente a los apps de las cuales hay millones.

Cuando Lorea me propuso darle un intento a crear una pieza audiovisual usando nuevamente mi celular automáticamente pensé en usar una aplicación, y una que refuerce la idea de cotidianidad. Me pareció muy curioso cómo a pesar del avance tecnológico, un smarthphone quiere imitar la estética del Super 8 (un formato cinematográfico de 8mm) Lorea me comento algo muy importante sobre eso: Todo vuelve, así es, pero en ocasiones renovado, como en este caso, vuelve el Super 8 pero en app, vuelve pero con otros significado, con otros matices.

Como experiencia pues fue bien nostálgico porque yo antes hacia una especie de web-episodios sobre mi familia, grababa con una Sony handycam y lo editaba en Windows Movie Maker. Me daría mucha vergüenza volver a ver esos videos, tenia 14 años, y siento que diré lo mismo de acá a mas adelante sobre Fourteen. Es más, ahora lo vuelvo a ver y veo tantas cosas en que mejorar, pero bueno de eso se trata. No es un video para cambiar vidas, es bastante personal, es el simple hecho de crear algo a menudamente. Crear está al alcance de todos, especialmente en nuestros tiempos.

11731334_10154045168546686_1724089532_oEva Valenzuela

Para 18:30;27;03 me deje guiar por las cosas que me interesaban como la idea de desarticular lo establecido, pero dejarlo en blanco, no definirlo la idea de explorar un poco la visualidad a partir de lo anti-visual.

Entonces yo tenía una foto que había hecho hace tiempo de un vidrio y pensé que podría funcionar como video. La temática pautada era Lima y una de las cosas que me vuelve loca de Lima es el tráfico, entonces lo cogí como tema. Al final salió lo que yo quería que era articular el sonido de la ciudad pero desarticular completamente la imagen reconocible, el audio en todo caso es el engranaje pero deja mucho más al espectador a imaginar.

En cuanto a la experiencia fue un proceso bastante intuitivo y abstracto, me interesaba que el espectador pueda perderse en esas formas y que el vidrio aunque es el componente visual principal del video, no sabes que es vidrio hasta que se dice.

Screenshot_2015-07-08-18-27-14En el marco de la exposición #MobileViewsLima, el Museo de Arte Contemporáneo realizara un conversatorio que pretende dialogar sobre las nuevas posibilidades que las tecnologías de comunicación móvil ofrecen a la creación y a la experimentación audiovisual en el entorno de las prácticas artísticas.(Fuente: Museo de Arte Contemporaneo de Lima)

11698589_10152917636131680_6778411439189152727_n#MobileViews estará en el Museo de Arte Contemporaneo de Lima hasta el 12 de julio

Av Grau 1511, Barranco

Martes a domingo de
10:00 am a 6:00 pm

Entrevista con Lorea Iglesias – Curadora de la muestra #MobileViews

El MAC presenta #MobileViewsLima, una exposición de video experimental en la que el museo, el espacio público y las redes sociales interactúan generando una original propuesta de arte y tecnología.
La exhibición está compuesta por el trabajo de catorce artistas que han creado su obra utilizando su teléfono celular y la ciudad de Lima como tema: Miguel Aguirre, Angie Bonino, Sebastián Cabrera,  Eneka Fernández y Miguel Orcal, Cinthya Fung, Jose Hopkins, Omar Lavalle, Sonia Martí, Hector Mata, Jesús Morate, Rafafans, Juan Diego Tobalina, Eva Valenzuela y Alejandra Vera.

¿Cómo es que empieza el proyecto de #MobileViews?

Todo comienza en 2012, desarrollando un proyecto para el Festival Internacional de Videoarte Loop en Barcelona, un festival que durante una semana invade la ciudad de videoarte (galerías, museos, librerías, peluquerías, restaurantes, bares…etc.). Querían mostrar piezas de videoarte creadas con celulares pero no había presupuesto, así que se me ocurrió usar una de las posibilidades que la tecnología móvil nos ofrece, los códigos QR, para crear una exposición para ver en los celulares y a la que se accedería a través de los QR que colocamos en todas las sedes del festival. De hecho me gustaba mucho la idea de que la herramienta con la que se crean las piezas sea la misma que usamos para reproducirlas.

Tras esa experiencia, y reflexionando sobre cómo la ciudad en la actualidad es una especie de pantalla fragmentada compuesta por millones de pequeñas pantallas que todos llevamos encima (además de las pantallas publicitarias y de información), así que pensé que sería bonito crear un proyecto con QR dispersos por la ciudad que permitieran acceder a una exposición de vídeos sobre ella, de esta forma la ciudad se muestra a sí misma pero a través de los ojos de algunos de los artistas que la habitan.

11169154_10152898540761680_4530438995085053003_nFoto: Facebook MAC

¿Cuál es tu punto de vista en la incorporación de la tecnología y como ha cambiado a el mundo del arte?

Me cuesta un poco resumir mi punto de vista, pero lo voy a intentar. Me parece totalmente lógico y consecuente que los artistas incluyan la tecnología en sus prácticas creativas. A lo largo de toda la Historia de Arte han incluido su entorno, su realidad, sus preocupaciones y sus reflexiones a sus trabajos plásticos. En una sociedad en la que la tecnología cada vez es más protagonista, sería muy raro que los artistas no la utilizaran como medio, soporte, herramienta o concepto con el que trabajar.

De hecho, hace décadas que los artistas utilizan la tecnología para la lógica de sus prácticas, pero quizás ahora esté más presente que nunca en los canales habituales de difusión y exposición de arte.

Muchas de estas creaciones no encajan en el circuito comercial del arte, lo que genera desconfianza, inquietud y quizás miedo al cambio, entre algunos profesionales. Pero esto también sucedió con otro tipo de prácticas artísticas, por ejemplo la performance.

Quizás el cambio que introducen que más me interesa es que se da un paso más en el cambio de rol del espectador, nos reclaman más interacción, más reflexión sobre el presente y una actitud menos pasiva a la hora de ponernos frente a una obra.

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Foto: Instagram ART 0051

¿Cómo es que incorporas Lima en el proyecto y en qué se diferencia o se parece a la versión que se hizo en Barcelona?

Desde que decidí mudarme a Lima lo pensé. De hecho, me gustaría hacerlo en más ciudades. Me interesan las diferentes miradas de un mismo lugar, y cuando llegué aquí, conocía ya algunos artistas limeños que vivían en la ciudad, y otros que viven fuera, y poco a poco fui conociendo más creadores así que empecé a proponerles incorporarse al proyecto y así crear una mirada múltiple de la ciudad. Artistas de aquí y de fuera, pero todos viven o han vivido en esta intensa ciudad que ahora es mi casa.

Las similitudes con #MobileViewsBarcelona son muchas; la estructura, el formato e incluso uno de los artistas está presente en ambas muestras, Miguel Aguirre. La diferencia está precisamente en la mirada de los creadores, que siempre es diferente. En Lima muchos de los trabajos giran entorno a los desplazamientos y el tránsito en la ciudad, de la misma forma que sucede en nuestro día a día, dónde los micros, las combis, el tráfico, la carretera, el movimiento…etc. son grandes protagonistas de los que habitamos esta ciudad.

En Barcelona, en cambio, varios de los trabajos giraban entorno a los conflictos sociales, el control, la vigilancia y los protestas…etc., algo muy normal si tenemos en cuenta la situación que vive España actualmente.

Pero son 14 los vídeos que conforman #MobileViewsLima, y lo interesante es que cada uno nos muestra una visión muy diferente, personal e íntima de las vivencias, sensaciones y reflexiones que la ciudad le genera.

Incorporas el trabajo de muchos artistas en esta muestra. ¿Cómo es que fue en un sentido curatorial la integración de los diferentes proyectos?

Como te comentaba, es precisamente eso lo que más me interesa, una misma ciudad, muchas miradas (móviles) diferentes. Me interesan las perspectivas múltiples de una misma cosa, reflejar la movilidad física de las personas a través de la movilidad tecnológica, a través de su creatividad. En #MobileViewsLima hay creadores de fuera que viven en Lima, de Lima que viven fuera, de Huaraz que viven aquí, hay quienes siempre vivieron en la ciudad, e incluso algunos que han vuelto después de más de una década viviendo fuera. Es precisamente esto lo creo que da una mirada totalmente plural de la ciudad de Lima.

 ¿Cómo respondió el publico peruano a esta nueva iniciativa de puesta en escena de una muestra de arte?

La verdad es que el público siempre responde bien a la propuesta, en general les gusta acceder a las obras con sus propios celulares, experimentar el arte de una forma diferente pero a la que están más que habituados, usando su celular, esa cosa de la que ya no podemos separarnos. Y aunque muchas de las obras son algo conceptuales, personales, poéticas e incluso abstractas, tengo la sensación de que son bien comprendidas y aceptadas por las personas que acceden a los vídeos. Además el uso del QR, creo que aporta un componente lúdico que al público le gusta, le sorprende y le divierte.

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Para los interesados en esta novedosa forma de arte tecnológico. ¿Qué otros proyectos podrías contarnos que tienes en proceso?

Tengo algunas cosas en mente, pero aún están en una fase temprana. En cuanto a trabajos basados en la creación audiovisual con tecnología móvil, estoy preparando una exposición centrada en un solo artista que me interesa mucho el conjunto de su obra. Y también pronto empezaré a buscar un próximo destino para #MobileViews•

#MobileViews estará en el Museo de Arte Contemporaneo de Lima hasta el 12 de julio

Av Grau 1511, Barranco

Martes a domingo de
10:00 am a 6:00 pm

Entrevista con Maria Fernanda Caballero

Entre líneas es la serie de imágenes de María Fernanda Caballero, las cuales son intervenidas con hilos, creando con relieve un segundo plano: la fotografía y el bordado. Muchas de estas imágenes muestran paisajes que luego pasan a ser intervenidas. Todo en la naturaleza está conectado, lo que hacen los tejidos es manifestar parte de esta gran conexión. Los hilos sirven como medio para unir puntos, en este caso, dos planos, la imagen fotográfica, y la imagen geométrica. Remarcando la idea de que todo está conectado.

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Cuéntanos un poco sobre tus intereses en la fotografía y en las artes mixtas y como es que empieza

La verdad es que miro todo tipo de fotografía, estoy siempre dispuesta a ver más. No tengo un tipo de fotografía favorito, pero por lo general, opto por lo experimental o a lo que conocemos como fotografía conceptual. Estudié un año diseño gráfico y creo que de todas maneras, quedó bastante marcado en lo que hago. De ahí nació un poco mi afán por juntar técnicas y no quedarme solamente con las fotos. Además, tengo un pequeño y ligero afán con la moda, coser, las telas, etc. Es un mundo del que no me gustaría alejarme, así que lo poco que sé, intenté combinarlo con mis fotos.

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¿Cómo conectas tu interés por el paisaje con la intervención hecha en tu fotografía?

Hace unos años empecé a interesarme más por la naturaleza, y no me refiero al hecho de mirarla y decir que lindo paisaje, sino que empecé a explorarla y ver la manera en que estaba formada, como todo se conectaba y empezaba a tener más sentido. Lo que hago con los hilos es un poco eso, dar a demostrar cómo todo está relacionado.

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¿Cómo es que empiezas a interesarte en la conexión de la naturaleza con esta geometría perfecta de la que hablas en tu trabajo?

Comencé investigando a Karl Blossfeldt, quien es probablemente, mi fotógrafo favorito, y repitiendo patrones que veía en las plantas, formas perfectas y exactas. Luego comencé a crear nuevas formas geométricas creando bordados sobre los mismos paisajes. Es increíble lo que cada paisaje te da, hay miles de posibilidades para crear en una misma foto, por eso empecé a ser más flexible y no crear gráficos tan evidentes.

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Háblanos un poco de “Entre líneas”

Entre líneas es un proyecto que vine explorando hace dos años, empecé con el cuerpo humano, pero decidí dejarlo, se me hacía un poco corto las maneras de experimentar con esto. En Entre líneas es donde doy a conocer los tejidos invisibles a los que estamos todos conectados, como todo en la Tierra o bueno, en el Universo, está relacionado con lo otro. Es un proyecto que podría seguir siempre y cada vez ir evolucionando más y más. Me encanta la idea de no estar a un proyecto que tiene un fin.

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Eres parte de Pieza, una nueva propuesta de venta de arte en Lima, cuéntanos el proceso en que te juntas con Camila y arman este interesante proyecto.

Las dos hemos estado en búsqueda de artistas nuevos todo el tiempo, de conocer propuestas nuevas y hacer que lleguen a todos. Estamos en un mundo lleno de artistas pero de los que no se saben nada, incluyéndonos. Pieza parte como un espacio para vender arte, pero dando a conocer el trabajo de cada uno. De esta forma las dos movemos las fotos que hacemos. Es lindo relacionarse con tantos artistas que tienen todo el talento del mundo y siempre, aprender de ellos.

¿Qué otros proyectos vienen en camino o qué intereses a futuro tienes?

La verdad es que ahora estamos full con Pieza, vamos perfeccionando y arreglando detalles que vemos en el camino. Por mi lado, imagino que seguir buscando lugares para poder exponer, es un poco complicado pero en eso estoy. Igual tengo la idea de estudiar dirección de arte, quizás algún taller pues toda la parte de producción me encanta al igual que el diseño gráfico. De hecho sigo trabajando mucho en eso, un poco relacionada a la música, yo diría que 1% (risas) o menos, pero intento moverme un poco con todo. Creo que está bueno siempre tener un poco de arte de todos los tipos, siempre y cuando lo disfrutes.•

IMG_1024Entre Lineas estará en la galería de La biblioteca pública Pablo Neruda en  Profesor Zañartu 1185 – Independencia. Santiago de Chile.

Del 14 de mayo al 21 de mayo.

No se la pierdan!

TEATRO: La Dieta Eterna

Zeta es un joven estudiante de leyes que sufre de trastorno bipolar y se encuentra en la etapa más fuerte de su depresión. Los últimos dos años han estado llenos de dudas, problemas y fuertes decisiones. Zeta deja entrar al público en su psiquis, le muestra sus retorcidos recuerdos y trata de explicar por qué ha decidido suicidarse. Mientras nos lleva en este viaje por su mente, nos fuerza a enfrentar la dicotomía de nuestro mundo y a reflexionar sobre la manera en la que cada uno de nosotros vive “su verdad”.

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Si las personas conociéramos la realidad de esta dieta eterna no tendríamos esta actitud moralizante y enjuiciadora. Sería más fácil que quien lo sienta lo comente y quien lo escuche lo recoja y no lo niegue.

La Dieta Eterna, obra de teatro escrita por Gabriel Rossel es una de las propuestas teatrales más interesantes de la movida local actualmente. No solo por su temática, que es un fuerte análisis sobre el tema del suicidio, sino también por sus actuaciones que unidas con el humor negro, nos hacen navegar por este tema tan denso sin siquiera darnos cuenta; para llegar al final de obra realmente conmovidos y con una fuerte enseñanza en nuestro pensamiento.

Con las actuaciones de Henry Sotomayor como Zeta, Airam Galliani como Milagros, Ernesto Ballardo como Enrique, el hermano de Zeta, Sergio Cano como Sandro, el mejor amigo y ex-pareja de Zeta y Salomé Reyes como la Madre de Zeta.

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La dieta eterna nos ofrece en un solo acto de aproximadamente 2 horas; un recorrido por los sucesos en la vida de Zeta, aquellos que están motivándolo a querer cometer el suicidio

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Extraño todo lo que éramos, Zeta…
Todo se fue a la mierda y yo aquí por puras estupideces y mentiras.
Sabes de lo que hablo. Solo soy una víctima de tu obsesión desmedida.

Además de sufrir de un trastorno de bipolaridad; él se ve envuelto en una problemática que involucra a su hermano y a su enamorada Milagros.

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Pero, ¿Quién estará diciendo la verdad y quien estará mintiendo? Zeta necesita decidir que lado tomar y por ende que vidas salvar y que vidas destruir.

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Sandro, el mejor amigo de Zeta, es el intermediario entre todos ellos, pero, ¿El tendrá que ver en que se haya descubierto esto? Y entonces cuales serian sus intenciones.

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Milagros por su parte, es una joven tranquila, amorosa, influenciable pero sera del todo inocente o justamente se dejo influenciar de una mala manera por Enrique.

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Pero la mamá de Zeta, confía en su hijo y lo defenderá a toda costa. Enredándose talvez mucho más de lo que debería en este asunto. ¿Hasta donde llegarías tú por un hijo?

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Yo no le deseo a nadie lo que estamos pasando. Suponiendo que Enrique te hizo ese daño, claro está.

Pero no te quedes con las ganas La Dieta Eterna estará hasta el 17 de mayo en el Centro Cultural Ricardo Palma en Av. Larco 770. Miraflores de jueves a domingo 8pm

Y si se quedaron con más ganas, podrán encontrar muchas más fotos en nuestro Facebook

Entrevista con Iván Sikic / Interview with Iván Sikic

Ivan Sikic es un artista conceptual y de performance que explora las estructuras sociales, el multiculturalismo, la perfomance, la inmersion de la audiencia y la tecnologia.
Ahora se presenta con SAQUEO, una proyecto realizado dentro de una casa a punto de ser demolida. Como respuesta a la minería ilegal, que viene depredando nuestro país, el artista Iván Sikic entierra una pepita de oro valorizada en aproximadamente $USD 2,000 en 30 metros cúbicos de tierra en medio de una espléndida residencia Barranquina a punto de ser demolida, y abre las puertas de la casa para invitarnos a embarrarnos un poco buscándola, probando nuestra suerte, siguiendo una serie de reglas básicas. Es difícil saber cómo reaccionará el público frente a esta inusual invitación. Lo único seguro es que, quien logre encontrar la pepita de oro, tendrá todo el derecho de quedársela

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Como artista conceptual y de performance ¿Cómo es que empieza tu proceso de creación?

Mi proceso empieza incluso antes de darme cuenta. Tengo una curiosidad grande por estar al tanto de lo que está sucediendo en el mundo, y me afectan mucho las cosas que, desde mi humilde punto de vista, son injustas. Partiendo de esto, suelo trabajar con miras a algún evento donde haya sido o invitado o aceptado a presentar un nuevo trabajo. Dependiendo de donde sea esto, mi concepto se va enfocando un poco más en responder al contexto en el que se va a presentar, y se termina de formar al ser influenciado por el espacio y la ciudad donde va a existir el trabajo, que es lo que le termina de dar la cualidad estética o performática.

Nos damos cuenta que tu trabajo abarca problemáticas sociales muchas veces relacionadas al Perú; habiendo vivido tu 10 años fuera, ¿Crees que al vivir afuera tu perspectiva del Perú puede ser un poco más objetiva y menos paternal? 

Los tres trabajos que he presentado en Perú, efectivamente, han tenido su punto de inicio en temas vinculados al país. Sin embargo, el resto de mi obra (que hasta ahora ha sido la mayoría), han sido respuestas a contextos ajenos a nuestro país, ya que la mayor parte de mi trabajo hasta este momento ha sido presentado fuera de Perú. Creo firmemente que si voy a presentar un trabajo, este debe presentar algo que es relevante a ese lugar. Al hacer esto, he aprendido que mi obra siempre empieza con mi respuesta hechos que suceden en los contextos donde va el trabajo va a ser presentado. Sin embargo, también he aprendido que todos los temas que he tocado también se aplican y existen en un contexto global (por ejemplo, en más de un país hay problemáticas sociales y culturales que tienen que ver con  trabajadores y trabajadoras del hogar, con gente que vive los márgenes de la sociedad, o que tengan que ver con prácticas informales). He vivido más de un tercio de mi vida fuera de Perú, y no me gustaría pensar que para poder comentar sobre nuestro país es necesario alejarse de él. Todo lo contrario, me gustaría pensar que todos podemos comentar de la manera que mejor nos nazca de temas que creemos deben ser debatidos, sin importar de donde somos o donde hemos vivido.

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Al desarrollar y mostrar tus proyectos en el exterior  ¿Cómo responde el público hacia nuestro país?

Las veces que he mostrado mi trabajo fuera de Perú ha sido tocando temas que, como mencionaba anteriormente, son relevantes a los contextos donde presento estos trabajos. Siempre dejo claro que soy peruano, y que esa es mi identidad cultural, pero trato de tener un enfoque global en mi práctica que no sea limitada al el país donde nací. Es por esto que las respuestas del público en otros países hacia mi trabajo no necesariamente tienen que ver con el Perú o mi peruanidad. En mi experiencia la gente comenta más sobre lo que ve (que en esos lugares son obras que hablan del contexto donde se presentan) y menos sobre el país de donde soy.

Las diferencias sociales en el país son evidentes para todos ¿Esperas alguna reacción/acción de los espectadores al observar tu obra?

Normalmente tengo una idea bastante clara de cómo el público va a percibir mi trabajo, o como va a reaccionar al ser presentado. Con SAQUEO, por primera vez, me sucede que sinceramente no sé cuales van a ser las reacciones. Sin embargo, entre otras cosas, espero poder trasmitirle al público que es posible tener contacto y estar involucrado con el mundo del arte (que puede ser muy intimidante) de más de una forma. No sólo yendo a ferias o galerías, sino también siendo partícipes de trabajos como SAQUEO.

Háblanos un poco de SAQUEO, este es uno de tus proyectos en Lima con mas participación del público ¿Cómo esperas que el publico reaccionara? ¿Cómo crees que reaccione el que encuentre la pepita de oro? ¿Es importante eso para la finalización de tu obra?

Para que sentir que SAQUEO es un trabajo que ha sido completado, basta con que el público ingrese al espacio. Si por algún motivo nadie decide buscar lo que está enterrado, igual el trabajo va a estar completo. Si se encuentra el oro o no, si el público decide excavar o no, ya se vuelve irrelevante. Con SAQUEO, entre otras cosas, busco acercar la problemática de la minería ilegal a Lima, cosa que considero muy importante, al ser el Perú un país tan centralizado y dividido. A veces pienso que si alguien encuentra la pepita de oro, no le diría a nadie. A veces pienso lo contrario. Al margen de eso, basta con que el público entre al espacio, a la casa, vea la tierra, para sentir que la obra ha sido terminada.

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La problemática que abarca SAQUEO es muy importante para el país en  perspectivas sociales y económicas ¿Cuál fue tu proceso de investigación para la muestra y cuál es tu posición ante este problema?

Mi proceso para SAQUEO, al igual que con todos mis otros trabajos, empieza de manera muy orgánica, leyendo notas en los medios, viendo documentales, imágenes, conversando con gente sobre el tema (tanto gente que tiene algún contacto con el tema, como gente que no). Una vez que estos cimientos están plantados, la estética y la forma del trabajo, y cómo este va a ser presentado (si es un performance, una instalación, un objeto) comienza a tomar forma. Mi posición ante la minería ilegal, que creo es la posición de muchos otros peruanos (y más allá de Perú, la posición de muchos humanos alrededor del mundo), es que las consecuencias de estas actividades están creando daños irreparables, o que quizás van a tomar generaciones en ser sanados. Daños ambientales, sociales, humanos. El tema de la minería ilegal (y por ende el de todas las demás prácticas informales que se dan en nuestro país, que son muchas), es sólo un punto de partida. Sinceramente creo que los problemas más grandes no son el hecho de que alguien esté haciendo una labor para ganarse la vida de la única manera que quizás tiene a su alcance (creo que todos tenemos el derecho a ganarnos la vida como mejor podamos). El problema, desde mi humilde punto de vista, va más allá de eso, y radica en las desafortunadas consecuencias que se empiezan a dar como resultado de estas prácticas, incluso sin que las personas que crean estos daños se den cuenta del daño que se está causando, quizás por la falta de pautas de entes gubernamentales o regidores de estas prácticas. Por esto, me ha sucedido que a pesar de que SAQUEO inicia como un trabajo sobre la minería ilegal, ha terminado convirtiéndose (para mi), en un trabajo sobre la falta de respeto a las reglas y la carencia de leyes que sean tomadas en serio en nuestro país.

Luego de SAQUEO, ¿Tienes algún otro proyecto vinculado a la minería ilegal en el Perú?

Cuando empiezo un trabajo, lo hago porque siento que es mi manera de tratar de comprender un poco mejor el problema que estoy tocando. Es válido decir que estos trabajos suelen ser el punto final a mis investigaciones, mi curiosidad, mi sentimiento de querer hacer algo acerca de estos conflictos. Hasta ahora, al concluir cada uno de mis trabajos, he sentido que necesito un descanso de los temas que he tocado. Por eso mismo, y también porque realizar SAQUEO ha sido mucho más desgastante que cualquier otro proyecto que he hecho hasta ahora, por ahora no tengo planeado hacer otro proyecto sobre este mismo tema. Pero también he aprendido que todo esto puede cambiar en un segundo. •

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SAQUEO estará abierta desde el Viernes 24 de Abril a las 7pm hasta el 26 de Abril a las 5pm en el Jr. Santa Rosa 359, Barranco (frente a la galeria Gonzalez y Gonzalez) Lima, Peru.

Ingreso: LIBRE

Derecho de excavación: s/.1 por bolsa

No la dejen pasar!

Entrevista con PIEZA / Interview with PIEZA

Pieza es una interesante y novedosa propuesta dedicada a la venta y promoción del arte. Creada por Camila Villa y Maria Fernanda Caballero esta tienda inauguró el jueves pasado y tuvimos la oportunidad de hablar con ellas y que nos cuenten un poco más sobre este proyecto.

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Nos gustaría empezar preguntándoles ¿Cómo es que surge la idea de crear “Pieza”?

Pieza nace con la idea de poder vender arte de una manera más fácil y accesible para todos. En realidad, las dos somos fotógrafas y buscábamos un espacio donde pudiéramos mover nuestras fotos y lo que hacemos. No sólo es un espacio/plataforma de venta, sino también de exposición. De ahí nace el nombre PIEZA, con la idea de utilizar una palabra que en otros países se utiliza para referirse a “habitación”, y aquí como “pieza de arte”. La idea era jugar un poco con “la pieza de arte dentro de una pieza”.

¿Cómo ven ustedes el ambiente artístico en Lima, hay propuestas interesantes?

Creemos que el ambiente artístico está comenzando a moverse a un ritmo mucho más acelerado en los últimos años y eso hace que comience a surgir una diversidad de propuestas referentes al arte; desde nuevos espacios hasta colectivos. La escena local de arte esta comenzando a crecer, hay un mayor interés por descubrir nuevas propuestas. Parece ser el momento perfecto para presentar proyectos nuevos y que involucren a muchos artistas que recién empiezan.

El coleccionismo de arte no es una práctica muy conocida en el Perú, ¿Ven en el futuro un incremento de este?

La verdad es que ser coleccionista (en cualquier categoría) es algo bastante específico, y serlo (de arte) es una práctica muy poco conocida en el Perú. No muchas personas lo son ya que se requieren varios elementos. Pero, como decíamos, el arte está creciendo y expandiéndose más allá del círculo limitado del cual es parte. Quizás en unos años se escuche más de ello.

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El arte como decoración es algo que está asociado a un arte mucho más simple, si se podría decir ¿Pieza apuesta por ir un poco más allá de solo el arte bello sino más un arte más conceptual, con significado?

Creemos que el arte puede cumplir diferentes funciones, desde ser decorativo hasta el ser un objeto de valor simbólico para el espectador. En PIEZA nos encargamos de buscar en cada obra de arte ambas funciones. Finalmente siempre dependerá del espectador cual sea el motivo por el cual compre la obra.

¿Qué propuestas interesantes plantean sus artistas en esta primera muestra?

La verdad es que nos hemos asegurado de buscar propuestas muy distintas entre un artista y el otro, la idea es mostrar la línea con la que cada uno viene trabajando hace ya un tiempo. No queremos que entre los mismos artistas compitan, sino que cada uno pueda mostrar lo que tiene. Estamos felices con cada uno de ellos y el modo en que trabajan, utilizando desde lápices para dibujar hasta madera, hilos, metales, etc.

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Es interesante como “Pieza” es una plataforma para que nuevos artistas se hagan conocidos y formen parte del día a día de una persona, volviéndose parte de su hogar por ejemplo. ¿Cómo es la dinámica de compra de las obras. Hay algún tipo de asesoramiento? ¿Qué tipo de arte buscan vender en su tienda? (fotografía, pintura, escultura,etc.)

Realmente un asesoramiento, no. Nuestra web está diseñada de un modo bien simple y directo, está por categorías de arte: pintura-grabado-dibujo-fotografía, escultura y hace una semana abrimos la de tejidos, una categoría realmente nueva en la cual sólo dos de nuestros artistas trabajan.

Estamos abiertas a toda propuesta nueva que llegue a nuestras manos, nos encanta explorar y conocer nuevas cosas, siempre y cuando sean piezas que puedan venderse por web. Nos encantaría vender todo tipo de arte, pero hay que saber reconocer qué piezas funcionan para ser vendidas por web y cuáles no. Algunas necesitan tener un contacto físico con el espectador para poder entenderlas y relacionarse con ellas.

Y por último, cuéntennos como es que los artistas pueden volverse parte de “Pieza”, ¿Cómo funciona la selección de sus artistas y sus piezas?

Todos pueden contactarnos a través de nuestro correo info@piezadearte.com y enviarnos sus trabajos. Una vez que revisamos el trabajo de cada artista, le enviamos un mail indicando las obras que tienen el potencial para la venta en PIEZA y posteriormente se realiza una reunión, la idea es que sea personalizado ya que el trabajo de cada artista es diferente. Estando el artista de acuerdo con las condiciones con las que trabajamos, nos entregan las obras para poder fotografiarlas y subirlas a la web. Nosotras somos quienes filtramos esta información, por ello, toda pieza debe ser primero revisada por nosotras, teniendo en cuenta que se encuentre en condiciones perfectas para ser vendida •

IMG_6271Pueden ir a visitar pieza en Jr. Colina 104 interior C. Barranco. No pueden dejar de ir!

Jr. Colina 104 interior C. Barranco

Entrevista con Hans Stoll / Interview with Hans Stoll

Hans Stoll inicia su carrera en el arte para luego dedicarse al retrato, género que desarrolla por más de diez años junto a la fotografía de moda y publicidad. Desde el 2005 su atención regresa al campo artístico, exponiendo en diferentes galerías y centros culturales de Lima.
Su obra se ha mostrado en importantes ferias como Lima Photo, Buenos Aires Photo y Pinta Nueva York. Ha sido finalista en el premio Petrobras – Buenos Aires Photo 2009 y Repsol – Lima Photo 2011. Es representado en Lima, Buenos Aires y Montevideo y sus fotografías forman parte de la prestigiosa colección Deutsche Bank.


Hola Hans cuéntanos un poco de tu última muestra “Plásticos” ¿Cómo fue el proceso de llegar a cada uno de esos artistas e interactuar con ellos de manera tan personal?

A muchos ya los conocía, y a los que no, fue realmente un placer encontrarme con gente tan accesible y generosa. Lo primero que hago es enterarme un poco sobre ellos y sus trabajos, de modo que el día de las fotos partimos con un tema de conversación más sólido, luego les cuento un poco del proyecto y lo que pretendo hacer, y cuando el hielo se ha roto comenzamos con las fotos y ahí poco a poco las cosas se van dando. Muchas veces voy con una imagen preestablecida pero mi intención es siempre mejorarla, conseguir más y entrar más profundo, pero eso lo determina la misma situación.

Many I already knew , others i don’t. It was really a pleasure to meet so accessible and generous people . The first thing I do is learn a little about them and their work , so that the picture day we start with a theme more robust to have conversation, then tell them a little about the project and what I intend to do and when the ice has broken, we start with the pictures and then gradually things start happening . Many times I go with a picture in my head but my intention is always to make it better , get more deeper , but that is determined by the situation.

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¿Qué tanta importancia crees que tiene volver documento los retratos de estos grandes artistas plásticos?

Todo registro es importante en la medida a que contribuya a construir una historia, o forme parte de otra más grande. Mi intención con este proyecto no es sólo que se quede en una muestra que contenga a estos 24 grandes artistas peruanos, la idea es hacer un gran libro de retratos desde la mirada de un fotógrafo y que contenga a la mayoría de los personajes más representativos del mundo del arte y la cultura peruana de estos momentos, crear documento que sirva de consulta a los estudiantes de arte o a cualquier curioso del tema, y por que no decirlo, un libro que inspire a futuros fotógrafos, así como en algún momento me sirvieron a mi, libros tan buenos como los que editaron Helmut Newton, Richard Avedon, Gorman y muchos otros.

Every document is important as it helps build a story or part of a larger one . My intention with this project is not only to stay in a project containing these 24 great Peruvian artists , the idea is to make a great book of portraits from the perspective of a photographer and that contains most of the most representative of world of art and Peruvian culture right now , create document as a query to art students or anyone curious about it, and why not say , a book that will inspire future photographers , like those great books that were edited by Helmut Newton, Richard Avedon , Gorman and many others.

¿Qué tan diferente es retratar modelos que retratar artistas? O tal vez es más parecido de lo que se piensa.

Absolutamente distinto, es tan diferente que ni siquiera se puede hacer una comparación. Un artista es un ser que tiene un mundo interno muy personal y propio, una mirada de la vida totalmente distinta a la del común de las personas, alguien que lee la vida desde sus propios códigos y en algunos casos estos bordean la locura. Son personas que cada gesto, cada arruga significa algo y están ahí por una buena razón.

Los modelos no.

Absolutely Different , is so different that can’t even make you a comparison. An artist is a person that has his own internal world, very personal, a way of seeing life absolutly different than other people. Someone who reads by his own codes that sometimes is very near to crazy. They are people that with every gesture, every wrinkle means something and they are there for a good reason.

The Models don’t.

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Tu paso por la fotografía de moda y la publicidad fue muy exitoso y reconocido ¿Cómo es entonces que vuelves hacia la fotografía artística y conceptual? ¿Qué enfoque le das ahora a la fotografía artística luego de haber estado tantos años en un ámbito más comercial?

Si fueron muchos años mi paso por la fotografía comercial y de moda, en su momento estuvo bueno y sobretodo me permitió ahorrar algo de dinero, por eso hice fotografía comercial, pero además, y rescatando algo bueno de todo esto, debo reconocer me hizo desarrollar muchísimas habilidades, puedo ahora resolver cualquier problema técnico que se me presente, tengo muchos recursos adicionales si el equipo falla, tengo una buena capacidad para trabajar bajo presión y sobre todo puedo repensar rápidamente las cosas.

I was many years in commercial photography and fashion. At the time was good and allowed me to save some money, that is why I did commercial photography , but also , and rescuing something good out of all this, I must admit made ​​me develop many skills, I can now solve any technical problem that appears. I have many additional resources if the equipment fails. I have a good ability to work under pressure and above all I can quickly rethink things.

En el género del retrato siempre se ha buscado “plasmar el reflejo del alma del retratado”, ¿Qué cosas en particular buscas tú en tus retratos?

Eso de retratar el alma es un cliché, uno fotografía lo que quiere fotografiar, cada foto es distinta y cada fotógrafo busca algo en particular, incluso yo voy buscando distintas cosas en cada retrato, en este caso en particular lo que he buscado es plasmar en un gesto la imagen que tengo de cada artista, certera o errónea , es mi verdad y lo que yo veo. De eso se trata.

That thing of “portatrying the soul” is a cliché, you photograph what you want to photograph , each photo is different and each photographer is looking for something in particular, I even go looking for different things in each portrait , in this particular case is what I wanted to capture in a gesture the image I have of each artist, accurate or wrong , is my truth and what I see . That it is.

Además del retrato vemos que te apasiona mucho el paisaje, en especial el paisaje como construcción. Encontramos en tu trabajo superposiciones, atiborramiento y especial mucha soledad pero con una presencia humana no tangible. Cuéntanos ¿Qué es lo que buscas en tus paisajes?

Cuando hablo del paisaje urbano, siempre es una reflexión o una crítica, quizás la mismas críticas que tienen todos los que se enfrentan al caos de ciudades como las nuestras, la única diferencia es que yo no las digo ni las hablo, las muestro en imágenes.

Si, soledad en medio de una gran maraña de gente que no se ve y cemento que te oprime, saco de mis imágenes a las personas porque son las responsables de todo este desastre y por alguna razón creo que no merecen estar ahí, y al ser visto desde afuera como un cuadro abstracto intento que las estas sientan o recuerden como se siente estar metido ahí adentro.

When I speak of the cityscape, is always a reflection or criticism , perhaps the same criticisms that all of us who faced the chaos of cities have , the only difference is that I don’t say it or speak about it, I show it in my pictures.

Yes, loneliness amid a tangle of people who we don’t see and cement that oppresses you, I put people out of my pictures because they are responsible for this mess and for some reason I think they not deserve to be there , and when seeing it from the outside as an abstract painting, I attempt that people feel or remember how it feels being stuck in there.

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Lima es una ciudad muy interesante arquitectónicamente pues han muchos tipos de arquitecturas mezcladas ¿Tienes otros proyectos planeados alrededor de nuestra ciudad?

La ciudad de lima es un desastre arquitectónicamente, hay que ser antropólogo para encontrar algo interesante esta ciudad, y los fotógrafos lo somos de alguna manera. Por ahora no tengo ningún proyecto que implique nuestra ciudad.

The city of Lima is a disaster architecturally, you have to be an anthropologist to find something interesting in this city, and the photographers are somehow that. For now I have no project involving our city.

Por último Hans, ¿Qué similitudes encuentras entre tu trabajo de retratos y tu trabajo de paisajes, qué patrón dirías que se repite?

La composición y la luz, mi último proyecto que se llama IRPASI da cuenta de eso, retratos y paisajes en un díptico, retratados desde una misma perspectiva. El paisaje retratado como una persona.

Tienen que verlo.

The composition and light primarily. My last project is called IRPASI and it shows that. Diptych of portraits and landscapes in one , portrayed from the same perspective . The landscape portrayed as a person.

You have to see it. • 

Plásticos esta abierta en la Galería ICPNA Miraflores, de martes a domingo de 11:00 a.m. a 8:00 p.m. hasta el 17 de mayo. El ingreso es libre

El arte en los tiempos del like / Art in times of the like

Un tema recurrente en los debates contemporáneos sobre el arte es la corta pero complicada pregunta de ¿A que llamamos arte en nuestros tiempos?                                Es complejo hablar del arte ahora, tomando en cuenta  que vivimos bombardeos por tantas imágenes e ideas que es entendible que muchas veces sea difícil diferenciar el ruido de la melodía.

Muchos dicen que un objeto se vuelve arte solo si el artista dice que lo es. Una especie de “Merde d’artiste” de Piero Manzoni. Yo pienso que arte es expresar tu forma de ver el mundo mediante diferentes acercamientos y puntos de vista. Arte es poder hablar de algo de una forma particular pero a la vez universal. Es poder llegar a transmitir mediante un objeto o acción una idea que pueda ser entendida de muchas formas y vista de diferentes maneras por diferentes personas uniéndolas las unas a las otras por medio del arte

En nuestros tiempos, los tiempos del like; supuestamente estamos muchísimo más cerca los unos de los otros gracias a eso a lo que llamamos internet. Pero ¿utilizamos el internet de la manera más inteligente? o solo nos la pasamos dando like a fotos de perritos y memes de Leonardo Dicaprio.

Podríamos viralizar una pieza de arte al igual que viralizamos un vestido que vemos todos de diferente color. Y justamente de este último ejemplo podemos aprender. Toma algo aparentemente normal pero encuentra una forma de volverlo diferente.

El arte en nuestros tiempos ya no debería perseguir una majestuosidad técnica solamente, o simplemente la belleza, sino que debe tomar algo de la vida diaria y hacerlo explotar haciendo ver su verdadero fondo o al menos el fondo que el artista busca dar a conocer. Lo que nos gusta ahora es descubrir que hemos sido engañados pero al mismo momento de descubrirlo darnos cuenta del verdadero significado y del porque fuimos engañados.

Todo se volvió tan literal en nuestras vidas que ahora lo que buscamos es darle la vuelta, encontrar lo extraordinario en lo cotidiano y así sacar de sus casillas al espectador. Hacerle darse cuenta que no todo es lo que parece y que siempre hay algo por descubrir. Convertir el arte en una forma de redescubrir el mundo desde los ojos del artista y desde los ojos del espectador.

Redescubramos el mundo con este blog entonces.

Contemporary debates about art start with the short but complicated question, What do we call art in our time? Discussing art is complex now, considering we live being bombarded with many images and ideas. So is understandable that many times is difficult to differentiate the noise from the melody.

Many say that an object becomes art only if the artist says it is; a kind of  “Merde d’artiste” by Piero Manzoni. I think art is to express your way of seeing the world through different approaches and viewpoints. Art is to talk about something in a particular way but universal at the same time. It is to be able to talk through an object or action, of an idea that can be understood in many forms and view in different ways by different people, bringing them closer to each other through art

 In our times, times of the like; supposedly we are much closer to each other because of what we call internet. But, do we use the internet in the most intelligent way? or we just used it for liking to pictures of puppies and memes of Leonardo Dicaprio.

We could make viral a piece of art as we make viral a dress that we see in different colors. And with this last example we can learn something. Take something apparently normal but find a way to make it different. Art in our time, should not pursue only a technical majesty, or just beauty, but must take something from the everyday and blow it up to show it’s true background or at least the background that the artist seeks to show. What we like now is to discover that we have been deceived but at the same time we find it out, we realize the true meaning and why we were deceived.

Everything became so literal in our lives that now we are looking to turn things around, finding the extraordinary in the everyday and bringing the viewers out of their boxes. Make them realize that not everything is what it seems to be and there is always something to discover. Making art a way to rediscover the world through the eyes of the artist or from the eyes of the beholder.

So let’s rediscover the world with this blog then.

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